American Gangster llega a España

La última película de Ridley Scott, American Gangster llega por fin a las pantallas españolas tras haber sido un éxito en su país de origen. El film cuenta la clásica historia de un policía en busca de pruebas para meter en la cárcel a un famoso narcotraficante que controla la ciudad. El duelo interpretativo entre Russell Crowe y Denzel Washington (que encarnan al policía y al delincuente, respectivamente) tiene su principal interés en que ambos no coinciden en pantalla hasta pasadas las dos horas de película (en total el film dura 160 minutos), algo semejante a lo que sucedía en Heat, donde el policía que interpretaba Al Pacino no coincidía en pantalla con Robert de Niro hasta el casi el final, en la famosa escena de la cefetería.
La película se ha convertido ya en una de las favoritas para los próximos Oscar, si bien su ausencia en los National Board of Rewiew hace que se haya desinflado un poquito. A pesar de esto, parece que sus actores protagonistas serán nominados. Veremos a ver si el próximo día 13, fecha en se anuncian los cantidatos a los Globos de Oro, la última obra de Scott recupera posiciones.

El atardecer

El atardecer es una película profundamente conmovedora que se centra en el amor que une a una madre con sus hijas. EN su lecho de muerte, Ann confiesa un secreto a sus hijas Constance, una esposa y madre feliz, y Nina, una impaciente soltera: como entre delirios en esa etapa final, Ann habla de Harris, un antiguo novio, del que las hijas ignoraban su existencia.

Las dos hijas se preguntan quién puede ser Harris y qué representó en la vida de su madre. Mientras Constance y Nina intentan hacer balance de la vida de su madre y de la suya propia, una enfermera cuida a Ann, que aprovecha la noche para regresar mentalmente 50 años atrás a un fin de semana de verano, cuando todavía se llamaba Ann Grant... una joven que ha venido de Nueva York para ser la dama de honor de su mejor amiga de universidad, Lila Wittenborn, en una boda a la que está invitada toda la alta sociedad de Newport. La novia está nerviosa y pide ayuda a su amiga en vez de a su madre. Ann no se separa de su amiga y menos de Buddy, el divertido hermano de Lila.

Pero no estaba preparada para los sentimientos que despertaría Harris Arden, un invitado a la boda y gran amigo de la familia Wittenborn. El amor de Ann por Harris cambiará su vida, y la vida de sus hijas.

Se trata de una historia conmovedora y sencilla donde prima el amor maternofilial sobre cualquier otro elemento. Algunos verían en ella un alarde de sensiblería pueril si no fuera por su esmerado guión con algunos giros inesperados (no es el típico drama romántico) y por su eficaz reparto, donde destacan la siempre maravillosa Meryl Streep, la polifacética Toni Collette, Vanessa Redgrave, Miranda Richardson y Claire Danes (en su segundo estreno este año, tras Stardust). En el apartado masculino aparece Patrick Wilson, interpretando al objeto de deseo de la protagonista. No se la pierdan.

Cuatro meses, tres semanas, dos dias, mejor película europea

La película rumana Cuatro meses, tres semanas, dos días, se alzó el sábado pasado con el premio a la mejor película europea. La cinta, que ganó también el galardón al mejor director (para Crisitian Mungiu) narra el drama de una mujer obligada a abortar desde una perspectiva dura y sincera, lejos de manipulaciones (tal vez por eso no sea española). Estos dos nuevos galardones se suman a la Palma de Oro lograda este año en Cannes y la confirma como la favorita para los próximos Oscar. Se desconoce, por ahora, su fecha de estreno en España.

PALMARÉS:

• Mejor actor: Sasson Dabai, por «Bikur Hatizmoret», de Eran Kolirin (Israel).
• Mejor actriz: Helen Mirren, por «The Queen», de Stephen Frears (Inglaterra).
  
• Mejor guión: Fatih Akin, por «Auf der anderen Seite» de Fatih Akin (Alemania).
• Mejor Documental Arte: «Le papier ne peut pas envelopper la braise», de Rith Panh (Francia).
• Mejor cámara: Frank Griebe «Das Parfum», de Tom Tykwer (Alemania).
• Premio Excelencia 2007: Uli Hanisch, por diseño de «Das Parfum» (Alemania).
• Premio descubrimiento 2007: «Bikur Hatizmoret», de Eran Kolirin (Israel).
• Premio especial logro en el cine mundial 2007: Michael Ballhaus.
• Premio de la Crítica, Fipresci: «Coeurs», de Alain Resnais.

La brújula dorada: A vueltas con la Iglesia

Aprovechando este puente que nos viene dado gracias a la todopoderosa Constitución, este miércoles se estrena La brújula dorada, nueva película de aventuras con un niño (en este caso niña) como protagonista. La cinta esta basada el los libros de Philip Pullman, un ¿conocido? ateo que concibió su trilogía como un antídoto de Las crónicas de Narnia. Y yo me pregunto: ¿antídoto de qué?: Empiezo a estar cansado de gente sabelotodo que se cree que necesita educar a la sociedad según sus valores (o más bien falta de ellos).
La noticia de este nuevo film en que el malo es el mismísimo Papa ha propiciado que muchos se echen las manos a la cabeza, máxime cuando se trata de una película dirigida al público infantil. No obstante, el director de la cinta, Chris Weitz, autor de "joyas" como American Pie, ha declarado que "se han eliminado los elementos más anticlericales de la película, de tal forma que no resulte ofendido nadie". Sin embargo, asociaciones de padres no se han contentado con esta explicación, pues la proyección de la película -dicen- fomentará que los niños quieran leer un libro en el que se incita al ateísmo y anticlericalismo.
Por otra parte, Nicole Kidman, una de las protagonistas de la cinta, aseguró que "la Iglesia Católica es una parte esencial en mi vida. Si fuera anticatólica, tengan la seguridad de que no la habría hecho". Palabra de Kidman.

Nominaciones de los Independent Spirit Awards

Las nominaciones a los Spirit Awards fueron anunciadas este martes en Los Angeles por la Organización de Cine Independiente. Tras la lectura de los candidatos, The Diving bell and the Butterfly y I´m not there se onfirmaron como los favoritos.

Los premios serán entregados el sábado 23 de Febrero, en Santa Mónica, a sólo 24 horas de la ceremonia de entrega de los Premios Oscar.

Mejor película:
- The Diving Bell and the Butterfly
- I'm Not There
- Juno
- A Mighty Heart
- Paranoid Park

Mejor director:
- Todd Haynes - I'm Not There
- Tamara Jenkins - The Savages
- Jason Reitman - Juno
- Julian Schnabel - The Diving Bell and the Butterfly
- Gus Van Sant - Paranoid Park

Mejor Guión:
- Jeffrey Blitz - Rocket Science
- Zoe Cassavetes - Broken English
- Diablo Cody - Juno
- Kelly Masterson - Before the Devil Knows You're Dead
- John Orloff - A Mighty Heart

Mejor actriz:
- Angelina Jolie - A Mighty Heart
- Sienna Miller - Interview
- Ellen Page - Juno
- Parker Posey - Broken English
- Tang Wei - Lust, Caution

Mejor actor:
- Pedro Castañeda - August Evening
- Don Cheadle - Talk To Me
- Philip Seymour Hoffman - The Savages
- Frank Langella - Starting Out in the Evening
- Tony Leung - Lust, Caution

Mejor actriz de reparto:
- Cate Blanchett - I'm Not There
- Anna Kendrick - Rocket Science
- Jennifer Jason Leigh - Margot at the Wedding
Tamara Podemski - Four Sheets to the Wind
- Marisa Tomei - Before the Devil Knows You're Dead

Mejor actor de reparto:
- Chiwetel Ejiofor - Talk To Me
- Marcus Carl Franklin - I'm Not There
- Kene Holliday - Great World of Sound
- Irrfan Khan - The Namesake
- Steve Zahn - Rescue Dawn

Mejor cinematografía:
- Mott Hupfel - The Savages
- Janusz Kaminski - The Diving Bell and the Butterfly
- Milton Kam - Vanaja
- Mihai Malaimare, Jr. - Youth Without Youth
- Rodrigo Prieto - Lust, Caution

Mejor documental:
- Crazy Love - Director: Dan Klores
- Lake of Fire - Director: Tony Kaye
- Manufactured Landscapes - Director: Jennifer Baichwal
- The Monastery - Director: Pernille Rose Grønkjær
- The Prisoner or: How I Planned to Kill Tony Blair - Directores: Petra Epperlein & Michael Tucker

Mejor película extranjera:
- 4 Months, 3 Weeks and 2 Days (Rumania)
- The Band's Visit (Israel)
- Lady Chatterley (Francia)
- Once (Ireland)
- Persepolis (Francia)

Primeras imágenes de Indiana Jones IV

Llegan las primeras imágenes de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, esperadísima cuarta parte del famoso arqueólogo. Se rumorea que el trailer del nuevo film de Spielberg con Harrison Ford y Shia LeBeouf aparecerá el mismo día de Navidad. Hasta entonces, he aquí un aperitivo.

El cine con otra mirada

Hace unos años, cayó en mis manos un pequeño, pero sensacional estudio sobre el cine de diez de los maestros indiscutibles del cine. En sus páginas se analizaban las películas de Ford, Capra, Dreyer o Bergman desde un punto de vista antropológico. Ese libro, titulado Pasión de los fuertes, estaba escrito por Juan Orellana y Juan Pablo Serra. Ahora, el primero presenta en solitario ‘Como en un espejo’, una profunda mirada al hombre a través del cine. Una mirada en la que no caben, como explica el propio autor al comienzo, aquellas películas donde el mensaje antropológico esté sesgado. Quedan así, ejemplos fílmicos donde el hombre saldrá mejor o peor parado, pero siempre estará retratado de manera limpia y objetiva, lejos de manipulaciones maniqueas. Tal vez sea este esfuerzo del autor uno de los mayores aciertos de una obra calificada de imprescindible por José María Caparrós, su prologuista.

Con su libro, Orellana rompe el cartón-piedra, levanta la corteza y nos deja ver al hombre, al insospechado hombre que no sólo necesita amar y sentir, sino que, sobre todo, necesita ser amado y trascender la propia realidad. El hombre actual confía tanto en sus capacidades que cree que la felicidad se logra con la mera voluntad. Ahí es cuando comienza el ‘drama humano’ al que hace referencia el título, pues el mero voluntarismo tornará los deseos de felicidad en amargura y soledad. Así muchos hechos de la vida corriente (el trabajo, el matrimonio, la familia, la enfermedad y, sobre todo, la muerte) son vistos con un prisma negativo. La vida sin un ser trascendente deja al hombre cojo en su esencia.

Esa necesidad de trascender, la necesidad de alguien más allá de este mundo es inevitable para finalizar ese drama y alcanzar un sentido vital. La segunda parte del libro profundiza precisamente en ese aspecto, analizando la manera en que el cine se ha aproximado al hecho religioso y los resultados de dicho acercamiento.

El ensayo concluye con un elocuente análisis de las relaciones entre la Iglesia española y el cine que sorprenderá a más de uno.

Queda por tanto una obra completa acerca del hombre, redactada por un experto crítico cinematográfico que demuestra su profundo conocimiento de la realidad humana y su amor por el cine.

La clave reserva

Aquí os dejo la última joya que Martin Scorsese nos ha regalado. Se trata de un corto realizado para la campaña publicitaria con que cada año nos sorprende Freixenet. Su título: La clave reserva. Tan sólo un error: el doblaje; ¿un acierto?: el comienzo del corto. En fin, que lo disfruteis

Comienza la temporada de premios

Quedan apenas dos semanas para que se den a conocer los nominados a la 65ª edición de los Globos de Oro. Los premios, conocidos como la antesala de los Oscars por adelantar gran parte de los premiados por la Academia, tiene un gran favorito: American Gangster, la última película de Ridley Scott. Además, como ya hiciera en ediciones anteriores (el año pasado con Martin Scorsese, sin ir más lejos), parece que la Academia por fin premiará al reconocido director de Thelma y Louise por su film de este año. La película narra la historia de un policía que lucha por atrapar a un famoso narcotraficante afroamericano (todo esto muy resumido, porque el film dura casi tres horas...). Los personajes principales corren a cargo de Russell Crowe (en su tercera participación con Scott tras la premiada Gladiator y la aburrida Un buen año) y Denzel Washington, en dos papeles que huelen a Oscar.
Más datos el próxima 13 de diciembre, fecha en que se darán a conocer las nominaciones a los Globos y donde seguro estarán también Javier Bardem y No country for old men (lo último de los Coen), Johnny Deep y Sweeney Todd, de Tim Burton, así como Cate Blanchett (Elizabeth. The golden age), Nicole Kidman (Margot at the weeding), Angelina Jolie (Un corazón invencible),...

Primeras fotos de Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen

Acaban de aparecer las primaras imágenes de la esperadísima película que Woody Allen rodó este verano en Barcelona, cuyo nombre oficial es Vicky Cristina Barcelona. El estúpido título se debe a una razón aún más estúpida. Y es que el ayuntamiento de Barcelona, uno de los productores del film, exigió que el nombre de la Ciudad Condal apareciera en el título. Tal vez con este nombre, Allen, tan dado a las ironías, quiera ridiculizar el ego de algunos políticos... Aquí os mostramos las citadas imágenes:

15 documentales, una sola estatuilla

15 documentales han sido preseleccionados por la Academia de Hollywood para optar a una nominación en la categoría de Mejor Documental en la próxima edición de los Oscars. Destaca la presencia de Michael Moore, famoso por la polémica suscitada en sus dos últimos documentales, Bowling for Columbine (por el que ganó el Oscar) y Fahrenheit 9/11(con el que consiguió su segunda nominación). Veremos qué pasa este año. Aquí están los documentales preseleccionados:

· 'Autism: The Musical', dirigida por Tricia Regan
· 'Body of War', dirigida por Phil Donahue y Ellen Spiro
· 'For The Bible Tells Me So', dirigida por Daniel G. Karslake
· 'Lake of Fire', dirigida por Tony Kaye
· 'Nanking', dirigida por Bill Guttentag y Dan Sturman
· 'No End in Sight', dirigida por Charles Ferguson
· 'Operation Homecoming - Writing the Wartime Experience', dirigida por Richard Robbins
· 'Please Vote For Me', dirigida por Wejun Chen
· 'The Price of Sugar', dirigida por Bill Haney
· 'A Promise to the Dead: The Exile Journey of Ariel Dorfman', dirigida por Peter Raymont
· 'The Rape of Europa', dirigida por Richard Berge y Bonni Cohen
· 'Sicko', dirigida por Michael Moore
· 'Taxi to the Dark Side', dirigida por Alex Gibney
· 'War/Dance', dirigida por Sean Fine and Andrea Nix Fine
· 'White Light/Black Rain', dirigida por Steven Okazaki

Prison Break o cómo hacer series de calidad

Acabo de treminar de ver la primera temporada de Prison Break, que he devorado en menos de una semana. Sí, ya se que en USA van por la tercera temporada y que en España hace tiempo que se emitió la segunda, pero no por eso voy a dejar de hablar de ella. Todo comenzó hace poco menos de dos dos semanas cuando un amigo llamado Nacho me recomendó con vehemencia esta serie. Yo ya la conocía gracias a la efectiva campaña de marketing que Fox llevó a cabo en la madrileña plaza de Alonso Martínez (y que algún día contaré a mis lectores en qué consistía). El caso es que el tal Nacho es un buen amigo y, lo que es más importante, tiene un gusto cinematográfico parecido al mío, así que me deje embarcar rumbo a Fox River, la cárcel donde Michael Scofield pasará tres años tras un fallido atraco a un banco.

Todos se preguntan cómo un chico tan educado y formal ha podido cometer ese delito. Y es que Michael provocó su ingreso en la penitenciaria para ayudar a su hermano Lincoln, acusado de matar al hermano de la vicepresidenta de EE.UU, a huir. Para llevar a cabo su plan, Michael se ha tatuado los planos de la cárcel por todo el cuerpo.

Poco a poco, los palnes de fuga se complican y los interesados en el plan de Michael van aumentando. Mientras, Veronica, ex novia de Lincoln, intentará reunir pruebas de la supuesta trampa tendida sobre éste para evitar su ejecución en la silla electrica.

Y no voy a contar más, pues cada plano, cada línea de diálogo, cada expresión de cada personaje es vital en esta serie de ritmo frenético y acción sin límites. Ya se que todo esto suena a tópico, pero en este caso no lo es, pueden creerme. Espero que la disfruten.

Trailer de No country for old men, lo último de los Coen

Aquí teneis el trailer de No country for old men, la última película de los hermanos Coen que, tras su paso por el festival de Toronto se ha convertido en una de las grandes favoritas para los Oscars. El reparto incluye a un Javier Bardem divertido y temible al mismo tiempo en una interpretación que muchos prevén tendrá recompensa en la próxima ceremonia de la Academia

Spielberg, premio Cecil B. DeMille

El llamado rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg recibirá el premio Cecil B. DeMille durante la entrega de los Globos de Oro, que tendrá lugar el próximo 13 de enero. El director de Tiburón y La lista de Schindler recogerá el galardón "por su extraordinaria contribución en el área del entretenimiento". El director, que actualmente se encuentra rodando la cuarta entrega de Indiana Jones, ha recibido ensu carrera cuatro Globos de Oro y ha sido nominado en 12 ocasiones.

Primer trailer de Valkyrie, con Tom Cruise

Aquí está el primer trailer de Valkyrie, la nueva película de Bryan Singer (Superman Returns, Sospechosos Habituales) con Tom Cruise interpretando al coronel Claus von Stauffenberg, militar del Tercer Reich que intentó acabar con la vida del Fürher durante la Segunda Guerra Mundial. El reparto cuenta, además, con Kenneth Branagh, Tom Wilkinson, Stephen Fry y Bill Nighy. La película, que se estrena el 27 de junio de 2008 en USA, espera ser el bombazo del verano.

Primer y esperadísimo trailer de Righteous Kill

Primer promo-trailer del esperado reencuentro de Robert de Niro y Al Pacino en Righteous Kill

12 películas animadas rumbo al Oscar

La Academia de Cine de Hollywood ha anunciado las 12 películas de animadas que entrarán en la pugna para hacerse con la nominación al Oscar en la categoría de Mejor Película de Animación:

'Alvin and the Chipmunks'

'Aqua Teen Hunger Force Colon Movie Film for Theaters'

'Bee Movie'

'Beowulf'

'Meet the Robinsons'

'Persepolis'

'Ratatouille'

'Shrek the Third'

'The Simpsons Movie'

'Surf’s Up'

'Tekkonkinkreet'

'TMNT'

Las tres películas animadas que finalmente opten por el Oscar en dicha categoría se darán a conocer el 22 de octubre y los premios se entregrarán el 24 de febrero.

Che por partida doble

Es bien sabido que Steven Soderbergh, aquel que fue anunciado como nuevo genio de la dirección y que ya ha sido casi olvidado, está preparando dos películas sobre Ernesto Guevara, el guerrillero asesinado en Bolivia. Pues bien, aquí tenemos a Benicio del Toro (Oscar al mejor secundario por Traffic, del propio Soderbergh) caracterizado como el famoso revolucionario mitificado por las masas. El film promete una nueva nominación al premio de la Academia para Del Toro y quién sabe si también para su director, que podría relanzar así su alicaída carrera.

En los dos largometrajes de Soderbergh sobre el revolucionario argentino está previsto que intervengan también la actriz alemana Franka Potente, la colombiana Catalina Sandino y el español Jordi Mollá, entre otros.

El Argentino, que es como se llama esta primera película, tiene previsto su estreno para otoño de 2008. La segunda, titulada Che, aun carece de fecha de estreno.

El enfado de Jack

A Jack Nicholson no le ha sentado nada bien que Heath Ledger (Brokeback Mountain) interprete a Joker en la próxima película de 'Batman', titulada The Dark Knight. El actor encarnó al famoso villano en 1989, por lo que no esperaba que en la nueva secuela fuera a ser otra persona quien diera vida al personaje. "¡Yo sé cómo hacerlo! Pero nadie me ha preguntado. Estoy furioso", ha afirmado. En efecto, Nicholson daba a su interpretación el toque cómico y malévolo que el personaje necesitaba, algo que todo el mundo duda que Ledger sea capaz de hacer. Nicholson ha explicado, además, que duda mucho que acuda a ver la película.

Primer trailer de Superagente 86

Aquí os dejo el primer teaser trailer de Get Smart, la serie creada por Mel Brooks llevada al cine con Steve Carell como el Superagente 86 y Anne Hathaway (Princesa por sorpresa, Brokeback Mountain) como la Agente 99. También Participan The Rock y el oscarizado Alan Arkin. Se estreno en España está previsto para el 25 de julio de 2008.

Hollywood, en pie de guerra

Y no me refiero a la huelga de guionistas, que ha organizado un cisco de cuidado. Hablo de la retahíla de films made in USA críticos con la política de su país en Irak. Brian de Palma, Paul Haggis, Robert Redford y Mike Nichols son algunos de los pesos pesados que se han sumado a esta cruzada contra la Administración Bush.

Redacted, de Brian de Palma ha dado el pistoletazo de salida a una serie de películas que, como en los setenta y ochenta, dedican sus esfuerzos a criticar las guerras y a mandar al mundo un mensaje de paz. Sin embargo, lo que Apocalypse Now o Platoon retrataban desde la perspectiva y objetividad que dan los años transcurridos desde que Vietnam acabó, ahora se hace de forma visceral contra una guerra de la que abomina toda la progresía hollywoodiense y de la que todavía desconocemos sus consecuencias.

Vietnam marcó un antes y un después entre el cine positivo y alegre con happy end del Hollywood dorado y la amargura y tristeza fruto de la derrota de EE. UU frente al país asiático. Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Oliver Stone o el propio Brian de Palma son algunos de los directores marcados por una guerra compleja y cruel, cuyo cine guarda siempre un regusto de violencia salvaje y personajes que jamás encontrarán la redención.

Sin embargo, lo que antaño surgió espontáneo ahora se quiere meter con calzador, sin darse cuenta de que una catarsis de esa envergadura no puede ser provocada, pero su afán partidista les ciega. Lo sorprendente es que, quienes intentan semejante estupidez no son un puñado de imberbes e inexpertos, sino directores consagrados que han demostrado durante años su buen hacer detrás de las cámaras. En el valle de Elah (Paul Haggis), Leones por corderos (Robert Redford) y la ya citada Redacted han sido alabadas por la crítica, pero el público al que quieren guiar como si fueran pastores de un gran rebaño les ha dado la espalda de forma estrepitosa. Falta por estrenarse La guerra de Charlie Wilson, de Mike Nichols que se ha convertido, desde anbtes de su estreno, en la gran favorita para los Oscars. Veremos.

Spielberg está que trina...

...Y con razón. Después de vanagloriarse de que nadie jamás sabría (hasta el día del estreno, se entiende) nada de la cuarta entrega de Indiana Jones, llega un listillo que hizo de extra en el film y lo larga todo. Pero todo, todo. El chaval en cuestión, cuyo nombre me ahorraré para evitarme problemas, se saltó el contrato de confidencialidad y cantó la traviata ante una emocionada reportera de un periódico local. Los detalles de cuanto declaró este listillo que tendrá que pagar una multa millonaria, se los ahorraré hoy a mis lectores. Tan sólo comentar que esta cuarta entrega transcurre bastantes años después de La Última Cruzada y cuenta como Indy (Harrison Ford, intentando remontar su decrépita carrera) consigue un preciado objeto perdido durante siglos. El conflicto surge cuando los soviéticos, liderados por Cate Blanchett, se interesan por dicho objeto y para conseguirlo secuestran a la única persona que nuestro Indiana ha querido de verdad en su vida: Marion (tengo ganas de ver cómo retrata Spielberg esta dictadura que acabó con millones de personas). Por supuesto, el famoso arqueólogo no tarda en ir en su busca acompañado... ¡¡del hijo de ambos!! (papel interpretado por Shia Lebeauf, actor en alza gracias a Disturbia y Transformers). Pero ya me callo que no quiero fastidiaros la película.
Pero el cabreo de Spielberg no acaba ahí. Por si no fuera suficiente, poco después de que el citado cantamañanas saltara a la palestra con sus declaraciones, unos ladrones entraron en las oficinas del director de Tiburón y arramplaron con todo. Entre el botín de estos descorazonados cacos se encontraban más de 2000 fotografias del rodaje de las aventuras de nuestro arqueólogo favorito. Sin ambargo, no todo son malas noticias para el rey Midas, ya que recientemente la policia detuvo a uno de los integrantes de la banda de cacos. ¿Cómo lo localizaron? Eso os lo contaré otro día, que tengo otras cosas que hacer.

Juventud, ¿divino tesoro?

Acabo de ver Alpha Dog, donde se cuenta el secuestro de un chaval como chantaje para cobrar una deuda. Con sus secuestradores, el joven descubrirá el alcohol, la fiesta, las drogas, las mujeres, y un sin sinfín de cosas "de mayores". El chaval parece que ha encontrado la felicidad junto a sus nuevos amigos. Sin embargo, el espectador observa la sordidez y brutalidad en la que va cayendo el otrora cándido chaval. ¿Somos de verdad así los jóvenes? ¿Tenemos tan pocas expectativas en nuestras vidas? No sé lo que pasará en EE. UU, pero todavía confío en que, entre los jóvenes de hoy, se encuentren los jueces, empresarios y políticos del mañana. Yo todavía confio en el hombre. ¿Hago mal?

No es otra película de mafiosos

Hoy quería presentaros un trabajo que hice el año pasado para el Congreso UNIV. No gané (todavía no lo entiendo), pero creo que es bueno. Vosotros juzgaréis. Ahí va...

EL LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO MÁS ALLÁ DE LA PALABRA

La fotografía, la puesta en escena y la música como apoyos necesarios de la narración cinematográfica.

En el presente trabajo pretendemos demostrar la fuerza del lenguaje cinematográfico sin necesidad de palabras. Como apoyo para comentar lo anterior utilizaremos la película El Padrino, obra maestra ­­­––en todos los sentidos–– de Francis Ford Coppola.

Efectivamente, el trabajo realizado por los profesionales que colaboraron junto a Coppola en la elaboración del film no pudo ser más extraordinario. La maravillosa fotografía de Gordon Willis es sin duda uno de los grandes logros de toda la obra. La iluminación cenital con la que el fotógrafo inundó los decorados diseñados por Dean Tavoularis, destinada en principio a disimular y hacer más creíble el maquillaje que Marlon Brando debía llevar para aparentar una edad que en realidad no tenía, se convirtió en la marca de fábrica de la trilogía entera. Pero este tratamiento lumínico fue mucho más agresivo en esta primera entrega, y el claroscuro impreso en los rostros de los actores y en los espacios en los que se tomaban las decisiones o se producían las negociaciones, en general, todo ese oscuro mundo criminal exclusivo de los se convirtió en uno de los polos de dos realidades: ésta, la de los sucios negocios, desarrollada de puertas para adentro, la que escondía la brutalidad, el crimen, la corrupción y la búsqueda de poder, y aquella otra más amable y natural, inundada por una luz diáfana, en la que la vida del clan Corleone, esta vez al completo, era como la de cualquier otra familia feliz.

La secuencia inicial del filme, en la que se narra la boda de la hija de los Corleone, Connie (Talia Shire), es quizás la más representativa a este respecto, la que vendrá a establecer en sí misma todo el estilo visual que acabamos de comentar y que se repetirá a lo largo del resto del film. Vito Corleone (Marlon Brando), su hijo Sonny (James Caan) y el consigliere de la familia Tom Hagen, (Robert Duvall) reciben en el despacho del "Don" a aquellos invitados de la familia que desean entrevistarse con el Padrino para pedirle algún favor o rendirle sus respetos. Cada una de las escenas que se suceden en este espacio se monta en paralelo con los hechos desarrollados en el jardín de la mansión familiar, un lugar al aire libre inundado de luz —sobreexpuesta expresamente por Willis para enfatizar la diferencia entre ambas realidades— en el que los invitados celebran alegremente el acontecimiento familiar. Ese mundo oscuro del despacho de don Vito, el espacio en el que se deciden todas las actividades ilegales y criminales de la familia, debe gran parte de su magia y magnetismo, no sólo a la fotografía tenebrista de Willis, sino también a los decorados de Dean Tavoularis.

Junto a la labor de Willis y Tavoularis, remarcable asimismo es el trabajo desempeñado por Anna Hill Johnstone para el diseño del vestuario, uno de los aspectos que en su momento fue bastante criticado, sobretodo por los mismos miembros de la "Liga para los Derechos Civiles de los Italoamericanos" una organización de carácter mafioso que provocó otro de los numerosos y más serios problemas durante el rodaje de la película . El vestuario de Johnstone, pese a ser considerado por los miembros de la mencionada Liga como de denigrante y chabacano para un personaje de la talla de don Vito, con su abrigo ancho, su bufanda y sus camisas de cuadros, una vestimenta que le hacía parecer, a los ojos de aquellos, como un vulgar pordiosero, le valió a la diseñadora una merecida nominación a los óscars de ese año, un reconocimiento que sin duda venía a constatar que su labor a la hora de vestir a estos personajes —de manera especial al de Vito Corleone—, fue mucho más acertada de lo que otros quisieron pretender. La imagen de don Vito, tan distante y diferente a la impoluta y sofisticada apariencia del gángster tradicional — a excepción, claro está, de las escenas en las que el Don debe ir impecablemente vestido, como en la boda de su hija— es así mucho más fiel a su personaje, un hombre que, pese a su poder y riqueza, sigue manteniéndose fiel a la humildad de sus orígenes sicilianos.

Por otro lado, la dirección del director es francamente magistral. Coppola llevó a cabo en El Padrino una realización bastante menos llamativa —que no por eso peor— que en la siguiente entrega de la saga, El padrino II (1974). Pero pese a este relativo clasicismo en el estilo formal de la primera parte, un clasicismo manifiesto principalmente en el estatismo general de la cámara y en la utilización básica en las conversaciones de una realización basada en el plano/contraplano, Coppola dejó entrever su inquietud por explorar las posibilidades del lenguaje a través de unos recursos que tanto tienen que ver con el rodaje como con la postproducción. Así, ya al final de esta parte adoptará una especial importancia la utilización del montaje en paralelo para alternar dos líneas argumentales que se contraponen en sus contenidos y a la vez se complementan a la perfección en sus significados dramáticos. La escena del bautizo del hijo de Connie y Carlo, del cual es padrino Michael, es alternada magistralmente con aquellas otras en las que se nos muestra la ejecución de los capos de todas las familias rivales de los Corleone que los hombres de Michael llevan a cabo siguiendo sus órdenes. Todo este bloque dramático es un ejemplo soberbio del poder del montaje para generar, a partir de dos escenas fragmentadas y alternadas entre sí, una relación de significado entre ambas que no se encuentra presente en ninguna de las dos líneas argumentales por separado.

Lo que estas escenas tratan de mostrar al espectador es la definición del nuevo Michael, el sucesor del ya muerto don Vito Corleone, y de su personalidad despiadada y cruel. No hay nada más significativo al respecto que oír al sucesor de don Vito pronunciar en nombre de su sobrino el juramento de su renuncia a Satanás mientras al mismo tiempo se está llevando a cabo la sangrienta venganza. El espectador deduce con ello que Michael, al pronunciar sus palabras, está pensando en la hipocresía y la fría esencia de las mismas, pero este hecho parece no inmutarle. Será esta frialdad en sus actos despiadados, la crueldad que llegará al extremo máximo en la segunda entrega de la saga, lo que diferenciará al personaje de Michael del de su padre Vito. Esta es la gran historia de la película, el inicio del tema central de la trilogía: la corrupción, putrefacción y absoluta caída en desgracia del alma de un hombre que se ha dejado llevar por los instintos más violentos.

La progresiva conversión de Michael también estará acompañada en algún momento por la música, como cuando, aparece pensativo y solitario en un banco, tras la muerte de Gatto (la música enlaza las dos escenas, asociando asimismo la acción ordenada por el Padrino Vito, la muestra de su poder, con la imagen de su futuro sucesor Michael), y en la escena final en la que Kay es excluida del mundo del nuevo Don. En este caso, el vals acompaña la imagen de la mujer observando horrorizada cómo su marido se ha convertido en un criminal mafioso, su triste tañido acompaña la cruda realidad que se desvela ante la mirada de Kay.

Los italianos dicen que la vida es tan dura
que el hombre debe tener dos padres que velen por él;
por eso todos tienen un padrino.

Tom Hagen,
Consigliere de la Familia Corleone
El Padrino, Mario Puzo

Al cine, mejor en familia

Ahora que mi hermana me acaba de hacer tío, quisiera recomendar una película para todos aquellos que quieran ver cine sin necesidad de dejar a sus críos con la suegra. Estoy hablando de la película independiente del año, Pequeña Miss Sunshine.

Resulta que cuando vi el cartel de la película en el metro, me dio un bajón de cuidado: me daba pereza ese amarillo chillón del cartel y esa furgoneta rollo hippie. Sin embargo, empezaron a lloverle premios sin parar y los críticos hablaban de la película del año. Fue entonces cuando decidí darle una segunda oportunidad y la vi. Y me había equivocado (¿una vez más?): esta vez los críticos tenían razón, pues efectivamente es una gran comedia.

Es una gran comedia por ese guión irreverente que se atreve a cruzar la línea de lo políticamente corriente. Es una gran comedia porque el reparto es acertadísimo, con unos actores en estado de gracia. Es una gran comedia por lo atrevido de su mensaje. Es una gran comedia porque tantos personajes tan distintos no podían encajar mejor. Es una gran comedia porque es un soplo de aire fresco en un mundo tan negativo con unos personajes tan sórdidos (Infiltrados, Babel, Diario de un escándalo, Juegos Secretos, etc son algunos ejemplos desasosegantes).

Así que no fue casualidad que en la última edición de los Oscars, se llevara dos premios de los gordos: mejor guión original y mejor actor secundario para el veterano Alan Arkin por su papel de abuelo yonki. Si de mi dependiera, también habría premiado al resto del reparto y a sus productores pero quizás por eso no soy votante de la Academia...

Para no desvelar el (magistral) final, no voy a contar casi nada del argumento. Tan sólo decir que la trama comienza cuando la hija de un matrimonio de lo más peculiar es seleccionada para participar en un concurso de belleza. Toda la familia -a saber: un padre obsesionado con el liderazgo, una madre algo nerviosa, un hermano mudo idólatra de Nietzsche, un abuelo yonki y un tío gay con tendencias suicidas- se embarca entonces en un viaje donde se descubrirán a sí mismos y aprenderán a apreciar el valor de la familia.

No sólo Hollywood

Candidatas oficiales al Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa

63 películas son las películas que competirán por una posición entre las 5 nominadas al Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa. Destaca la ausencia de la gran favorita 'Lust, caution', dirigida por el oscarizado Ang Lee y ganadora del Festival de Cine de Venecia. Parece que la cinta del taiwanés ha sido descalificada por problemas de nacionalidad (gran parte de la producción es americana).

Aquí las finalistas:

Alemania - 'The Edge of Heaven' (dirigida por Fatih Akin)

Argentina - 'XXY' (dirigida por Lucia Puenzo)

Australia - 'The Home Song Stories' (dirigida por Tony Ayres)

Austria - 'The Counterfeiters' (dirigida por Stefan Ruzowitzky)

Azerbayán - 'Caucasia' (dirigida por Farid Gumbatov)

Bangladesh - 'On the Wings of Dreams' (dirigida por Golam Rabbany Biplob)

Bélgica - 'Ben X' (dirigida por Nic Balthazar)

Bosnia Herzegovina - 'It’s Hard to Be Nice' (dirigida por Srdan Vuletic)

Brasil - 'The Year My Parents Went on Vacation' (dirigida por Cao Hamburger)

Bulgaria - 'Warden of the Dead' (dirigida por Ilian Simeonov)

Canadá - 'Days of Darkness' (dirigida por Denys Arcand)

Colombia - 'Satanas' (dirigida por Andi Baiz)

Corea del sur - 'Secret Sunshine' (dirigida por Chang-dong Lee)

Croacia - 'Armin' (dirigida por Ognjen Svilicic)

Cuba - 'La edad de la peseta' (dirigida por Pavel Giroud)

Chile - 'Padre Nuestro' (dirigida por Rodrigo Sepulveda)

China - 'The Knot' (dirigida por Yin Li)

Dinamarca - 'The Art of Crying' (dirigida por Peter Schonau Fog)

Egipto - 'In the Heliopolis Flat' (dirigida por Mohamed Khan)

Eslovaquia - 'Return of the Storks' (dirigida por Martin Repka)

Eslovenia - 'Short Circuits' (dirigida por Janez Lapajne)

España - 'El orfanato' (dirigida por J.A. Bayona)

Estonia - 'The Class' (dirigida por Ilmar Raag)

Filipinas - 'Donsol' (dirigida por Adolfo Alix, Jr.)

Finlandia - 'A Man’s Job' (dirigida por Aleksi Salmenpera)

Francia - 'Persepolis' (dirigida por Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud)

Georgia - 'The Russian Triangle' (dirigida por Aleko Tsabadze)

Grecia - 'Eduart' (dirigida por Angeliki Antoniou)

Hong Kong - 'Exiled' (dirigida por Johnnie To)

Hungría - 'Taxidermia' (dirigida por Gyorgy Palfi)

India - 'Eklavya – The Royal Guard' (dirigida por Vidhu Vinod Chopra)

Indonesia - 'Denias, Singing on the Cloud' (dirigida por John De Rantau)

Irak - 'Jani Gal' (dirigida por Jamil Rostami)

Irán - 'M for Mother' (dirigida por Rasoul Mollagholipour)

Irlanda - 'Kings' (dirigida por Tom Collins)

Islandia - 'Jar City' (dirigida por Baltasar Kormakur)

Israel - 'Beaufort' (dirigida por Joseph Cedar)

Italia - 'The Unknown' (dirigida por Giuseppe Tornatore)

Japon - 'I Just Didn’t Do It' (dirigida por Masayuki Suo)

Kazakhstan - 'Mongol' (dirigida por Sergei Bodrov)

Líbano - 'Caramel' (dirigida por Nadine Labaki)

Luxemburgo - 'Little Secrets' (dirigida por Pol Cruchten)

Macedonia - 'Shadows' (dirigida por Milcho Manchevski)

Mgida por Carlos Reygadas)

Noruega - 'Gone with the Woman' (dirigida por Petter Naess)

Países bajos - 'Duska' (dirigida por Jos Stelling)

Perú - 'Crossing a Shadow' (dirigida por Augusto Tamayo)

Polonia - 'Katyn' (dirigida por Andrzej Wajda)

Portugal - 'Belle Toujours' (dirigida por Manoel de Oliveira)

Puerto Rico - 'Love Sickness' (dirigida por Carlitos Ruiz, Mariem Perez)

República Checa - 'I Served the King of England' (dirigida por Jiri Menzel)

Rumania - '4 Months, 3 Weeks and 2 Days' (dirigida por Cristian Mungiu)

Rusia - '12' (dirigida por Nikita Mikhalkov)

Serbia - 'The Trap' (dirigida por Srdan Golubovic)

Singapur - '881' (dirigida por Royston Tan)

Suecia - 'You, the Living' (dirigida por Roy Andersson)

Suiza - 'Late Bloomers' (D

Suiza - 'Late Bloomers' (dirigida por Bettina Oberli)

Tailandia - 'King of Fire' (dirigida por Chatrichalerm Yukol)

Taiwán - 'Island Etude' (dirigida por Chen Huai-En)

Turquía - 'A Man’s Fear of God' (dirigida por Ozer Kiziltan)

Uruguay - 'The Pope’s Toilet' (dirigida por Enrique Fernandez, Cesar Charlone)

Venezuela - 'Postcards from Leningrad' (dirigida por Mariana Rondon)

Vietnam - 'The White Silk Dress' (dirigida por Luu Huynh)

Mujer contra mujer

Ante la influencia masiva de mensajes que me piden que escriba un nuevo post recomendando películas para toda la familia, me atrevo a escribir estas líneas para hablar de dos películas muy distintas pero igualmente interesantes. Ambas tienen como protagonistas a personajes históricos, si bien con una concepción de la vida muy distinta. Me estoy refiriendo a Sta. Teresa de Jesús y a Isabel II de Inglaterra, retratas en Teresa, Teresa y La Reina, respectivamente.

La primera simula una entrevista en un programa de televisión a la santa de Ávila. La periodista, acostumbrada a llevar las riendas de sus conversaciones y dispuesta a humillar a la santa, termina sucumbiendo ante el atractivo y encanto de una mujer humilde y recia en sus convicciones. Isabel Ordaz, que da vida a la mística, realiza una interpretación memorable, respondiendo con amor y sencillez a las insidiosas preguntas de una histriónica Asumpta Serna, engargada de dar vida a la superficial entrevistadora. Ambos papeles, brillantemente interpretados, representan la falsa seguridad del hombre moderno que se vanagloria de no creer más que en lo que ve y la sabiduría y confianza del hombre que se abandona en Dios.
A pesar de que toda la película se desarrolla en un plató de televisión y de que la santa habla con un lenguaje pausado y propio de su época, el film fluye con agilidad gracias al contapunto cómico que produce el patetismo de la periodista. Sencillamente genial.
La segunda película cuenta los días posteriores a la muerte de Lady Di, la Princesa del pueblo, y la nula reacción de la Familia Real, ante tan trágica pérdida. La misma Isabel II vió la película y dijo sentirse satisfecha, por lo que la supuesta ficción no debe andar lejos de lo que pasó realmente dentro de los muros de Buckingham Palace...
Resultaría tópico a estas alturas comenzar mi comentario hablando de la majestuosa interpretación de Helen Mirren. Además, creo que no es éste su único acierto. Y es que detrás de las cámaras está el siempre eficiente Stephen Frears, quien tiene el acierto de no juzgar a los personajes, excepto -no podía ser de otra forma en el país anglicano- al de la católica Cherie Blair, quien aparece retratada como una persona inculta y cabezona que tan sólo produce risa por su patetismo. Aun así, estamos ante una muy buena película cuya única trama es el cambio que poco se va produciendo en los personajes pues, en sí, el film no tiene acción.
Como resumen de La Reina, baste recoradar la imagen de la soberana observando un ciervoque trota por el campo mientras ella no puede contener las lágrimas ante tan memorable metáfora de su libertad perdida. ¡Dios salve a La Reina!

Preguntas

Esta tarde me encuentro muy pensativo y no logro encontrar respuestas a mis cuestiones. ¿Que si estoy loco? Tal vez. ¿Pero acaso no están locos los enamorados? ¿y qué me decís los yuppies obsesionados con su próxima sesión de rayos uva? Así que déjame en paz y tan sólo lee mis dudas y preguntas (si te ves capaz de responder a alguna de ellas no dudes en dejar tu comentario):
¿Por qué me gusta el cine? ¿hasta donde llega la ambición de un actor por lograr un papel? ¿qué se ha hecho en la cara Robert Redford que le da ese extraño parecido a Tutankamon? ¿por qué han tardado tanto en darle el Oscar a Scorsese? y, sobre todo, ¿por qué se lo conceden por una película por la que no se lo merece? ¿por qué Nicole Kidman es como veneno para la taquilla? ¿por qué Meryl Streep me parece mejor actriz con cada película que hace? ¿por qué me aburre tanto el cine español? ¿por qué ha estado desaparecida Michelle Pfeiffer durante tanto tiempo? ¿por qué una actriz cuando cumple los cuarenta se convierte en leyenda en Hollywood? ¿en qué piensan los productores cuando dan luz verde a la filmación de lo que será un fracaso seguro? Si todos somos iguales, ¿por qué tanto revuelo cuando le dan el Oscar a alguien de color? ¿por qué el cine español es tan sectario? ¿quién maneja los hilos del cine? ¿por qué no le dan todos los premios a Daniel Day Lewis por cada película que hace? ¿por qué hay tanta dependencia del botox en las estrellas? ¿por qué Stallone, Willis y Ford se empeñan en resucitar a los personajes de acción cuando rondan la edad de jubilación? ¿es cierto el intento de suicidio de Owen Wilson? y si es cierto, ¿cómo es posible que un tío que lo tiene absolutamente todo quiera acabar con su vida por la vía rápida?...

En fin, esto es sólo el principio, pero algún día seguiré con mis dudas acerca de este mundo tan excéntrico como atractivo.

¿Qué será, será…?

Es cierto que los Oscar se han convertido en unos premios donde pocas veces se premia lo mejor del año, pero siguen manteniendo un encanto y una magia difícilmente superable. Además, ganar un Oscar supone millones de dólares en taquilla para el film en cuestión o elevar el caché de los actores que se alzan con la estatuilla, así que, ¿a quien le importa si son justos o no? Todo vale para conseguir el premio más codiciado del mundo del cine.

Al ser los últimos premios de la temporada, la ceremonia de los Oscar deja poco margen para las sorpresas, ya que el mercado de premios marca una tendencia difícil de ignorar. No obstante, los votantes de la Academia siempre guardan un as en la manga, no vaya a ser que la audiencia televisiva disminuya (ejemplos tenemos a cientos, pero baste el Oscar a Halle Berry como mejor actriz o el galardón a Crash como mejor película como muestra de lo que decimos).

Ahora que empieza la temporada de premios, dedicamos este pequeño espacio a presentar las películas con tufo a Oscar que llegarán a nuestras pantallas en los próximos meses. Entre ellas, la última de Paul Haggis, Ang Lee, Robert Redford, Paul Thomas Anderson, Ridley Scott, Tim Burton, David Cronenberg, los hermanos Coen, y un largo etc. Poco podemos decir sobre ellas de momento, aunque por lo visto en los trailers, parece que el máximo favorito es Ridley Scott y su American Ganster. Recordamos que Scott es uno de los pocos maestros del cine que todavía no tiene estatuilla en su estanteria, por lo que la Academia querrá saldar esa deuda como hizo el año pasado con Martin Scorsese... (cuya película, por cierto, no me pareció la mejor del año... y lo dice un fan del italoamericano, que conste).

En fin, he aquí las películas que, presumiblemente, acapararán todos los premios:

1. America Gangster
2. Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street
3. Youth Without Youth
4. There Will Be Blood
5. Charlie Wilson’s War
6. The Golden Age
7. The Kite Runner
8. Lust, Caution
9. My Blueberry Nights
10. Evening
11. Atonement
12. The Other Boleyn Girl
13. Reservation Road
14. I’m Not There
15. 3:10 to Yuma
16. No Country for Old Men
17. Eastern Promises
18. In the Valley of Elah
19. The Savages
20. Closing the Ring
21. Lions for Lambs

Películas condenadas por retraso:
- Zodiac
- Lonely Hearts
- Lucky You
- Margaret
- The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford
- Michael Clayton
- The Hoax
- Trade

¿Habrá perdido Stallone la cabeza?

Tras interpretar por sexta vez al campeón de los pesos pesados, Rocky Balboa en la película del mismo nombre, Sylvester Stallone ha decidido encarnar de nuevo a otro de sus personajes míticos: John Rambo. La película será la cuarta de la saga y cuenta como Rambo decide tomarse la justicia por su mano cuando una amiga suya es secuestrada por milicianos en una supuesta guerra. A juzgar por el trailer, Sly sigue en plena forma a sus 61 añitos y la película promete sangre y muertes por doquier.

Hairspray, otro musical de Broadway que llega a los cines

Ya nos estamos acostumbrando a tener una cita anual con los musicales en el cine. Ahora le toca el turno a Hairspray, enésimo éxito de Broadway (¿hay alguno que no lo haya sido?) que llega a las pantallas de todo el mundo.

En el 2001 Moulin Rouge nos avisó de que el musical aun no estaba muerto como género cinematográfico. Un año despues, Chicago se hizo con el Oscar a la mejor película confirmando el resurgir del musical. Tras la decepción de Dreamgirls el año pasado (tan sólo será recordado por descubrirnos a ese portento -en todos los sentidos- llamado Jenniffer Hudson), Hairspray trae aire fresco y renovado con la historia de Tracy Turnblad, una chica grande, con un corazón aún mayor, que tiene solamente una pasión: bailar. Su sueño es aparecer en “El Show de Corny Collins” el programa de baile televisado más codiciado de Baltimore. Tracy (Nikki Blonsky) parece perfecta para el programa, a no ser por un problema no tan pequeño: no cabe. Su figura generosa siempre la ha apartado de los grupos a la moda, cosa que le recuerda continuamente su amante pero excesivamente sobre protectora madre y de generosa figura, Edna. Esto no detiene a Tracy porque si existe alguna una cosa que esta gran chica sabe, es que ella nació para bailar.

Después de cautivar a Corny Collins (James Marsden) con su interpretación en la escuela secundaria, Tracy se gana un puesto en el show y se convierte inmediatamente en una sensación de televisión, para gran dolor de la princesa reinante del show, Amber Von Tussle (Brittany Snow) y de su vitriólica madre, Velma , que lleva la estación WYZT de televisión. Incluso peor para Amber es el hecho de que no sólo es la audiencia la que adora a la nueva sensación: el amor de Amber, Link Larkin (Zac Efron), también parece estar sucumbiendo al encanto de Tracy. El show de baile se convierte en algo personal al transformarse en una pelea amarga entre las chicas mientras compiten por la codiciada corona de “Srta. Hairspray”.

Dos son las gratas sorpresas que nos trae el film. Por un lado, su mensaje positivo y optimista contrasta con el cinismo que desprendía Chicago y la hipocresía de la que adolecía Dreamgirls, lo que es de agradecer. Por otro, el esperado regreso de John Travolta (en el divertido papel de Edna, la protectora madre de la protagonista) y sobre todo el de Michelle Pfeiffer como la maquiavélica madre de Amber. Además, su falta de pretensiones la convierten en un producto entretenido y agradable de ver y, sobre todo, de oir. Y no, no ganará ningún Oscar pero, ¿necesitó Grease de esos premios para convertirse en el clásico que es?

Sam, tócala otra vez

Durante este nuevo curso que comienza llegarán a las pantallas españolas un puñado de remakes de algunos de los clásicos de Hollywood. Repasamos ahora algunos de esos filmes.

The Ring, King Kong, Infiltrados,... Durante los últimos años Hollywood se ha vuelto loco por los remakes. Hace tiempo que los productores de cine decidieron no arriesgar con su dinero y apostar sobre seguro. De ahí que comenzara una auténtica fiebre por revisar algunos de los films más rentables de la industria hollywoodiense.

Es ya un tópico referirse a la abundante producción de versiones en el cine norteamericano en términos de carestía de ideas originales como síntoma de una pobreza imaginativa o de esfuerzo creador. Sin embargo, el remake es una práctica habitual en el cine de los Estados Unidos que sigue siendo muy rentable.

Casino Royale, el último Bond, es una nueva versión de la película de David Niven y Peter Sellers. En la nueva versión, el famoso agente toma los rasgos de Daniel Craig en una de las mejores películas de acción de los últimos años. Pero no siempre salen bien: King Kong, de Peter Jackson sería un éxito comercial y mostraría un gran avance en sus efectos especiales, pero artísticamente era muy inferior a su predecesora. En otros casos, como en Infiltrados, se cuenta la misma historia con escenario y personajes diferentes, pero el resultado es el mismo: grandes dosis de acción y virtuosismo tras la cámara.

Durante el presente curso tendremos ocasión de ¿disfrutar? de tres nuevas versiones de clásicos americanos: The invasion, Disturbia y Sleuth, revisiones de La Invasión de los ladrones de cuerpos, La ventana indiscreta y La huella, respectivamente.

En La invasión de los ladrones de cuerpos, Miles Bennel (Kevin McCarthy) es un doctor de una pequeña localidad de California llamada Santa Mira. Cuando es requerido para que retorne a la villa abandonando un congreso médico comenzará a percibir situaciones muy extrañas.
Un niño no parece reconocer a su propia madre y su amiga Wilma (Virginia Christine) duda sobre la identidad de su tío. Miles, con la ayuda de Becky (Dana Wynter) comenzará a investigar estos raros asuntos. Daniel Craig y Nicole Kidman se hacen cargo de los roles protagonistas en una nueva versión sin grandes cambios en el argumento.

La ventana indiscreta, uno de los clásicos de Alfred Hitchcock, también merece en esta temporada nueva versión. El remake se llama Disturbia, y cambia a los protagonistas -un fotografo y su prometida- por un delincuente juvenil y su amiga-que-acabará-siendo-novia, y los apartamentos minimalistas de los años cincuenta por una barriada marginal. Se trata, pues, de una versión libre, alejada de ese error de concepto personificado, en el caso de la inspiración en Alfred Hitchcock, por largometrajes con Psycho de Gus van Sant, que copió plano a plano la película de referencia y logró que fuese completamente diferente y totalmente desechable.

En el tercer film que nos ocupa, La huella, de Joseph L. Mankiewicz, Laurence Olivier es un famoso escritor de novelas de misterio con pasión por los juegos y las adivinanzas. Michael Caine es el propietario de una cadena de salones de belleza con pasión -correspondida- por la mujer de Olivier. Ambos mantienen un encuentro en la mansión del primero, el cual ofrece a su rival un estudiado plan para resolver sus diferencias beneficiándose mutuamente. Así, mano a mano, merced al talento innato de dos "monstruos" de la interpretación, asistimos a uno de los duelos actorales más magistrales de la historia del cine. Kenneth Branagh revitaliza el film con Jude Law y Michael Caine (en el papel que protagonizó Olivier) ofreciendonos uno de los mayores bodrios de la temporada.